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Sociedad

Hermenegildo “Menchi” Sábat 1933 – 2018

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 El caricaturista y artista plástico Hermenegildo “Menchi” Sábat, reconocido por sus dibujos políticos en Clarín, falleció anoche mientras dormía. Tenía 85 años.

El querido dibujante había nacido en 1933 en la ciudad uruguaya de Montevideo y llegó a Buenos Aires en 1965, tras abandonar su puesto de secretario de redacción del diario El País.

Colaboró entonces en las prestigiosas revistas Primera Plana y Crisis y también en el diario La Opinión.

Desde 1973 era el caricaturista por excelencia de Clarín.

Durante su enorme trayectoria recibió premios internacionales destacados, como el Moors Cabot de la Universidad de Columbia, por sus dibujos durante la dictadura militar, y el de la Fundación Nuevo Periodismo Iberoamericano (FNPI), que le entregó el mano el Nobel de Literatura Gabriel García Márquez.

El año pasado, además, le fue otorgado el Konex de Brillante por su trayectoria. “Espero que estas cosas ayuden a otros a trabajar con ilusión”, dijo en esa oportunidad, emocionado hasta las lágrimas, y rodeado por sus compañeros de trabajo, que luego hicieron fila para abrazarlo.

Ayer, como todos los días, a la tardecita, Menchi se fue de la redacción. Como siempre, vestía saco y corbata y saludó a todos los que cruzaban su camino. “Chau, maestro”, lo saludaron. “Murió mientras dormía”, señala Clarín.

Estaba casado con Blanca y tenía dos hijos, Alfredo y Rafael.

Sábat para armar (de una entrevista con Educ.ar)
Cuando un taller de arte está vacío -sin los alumnos, sin la modelo, sin los fantasmas de los pintores amados- uno siente sin embargo que un duende o tal vez un ángel andan cerca. Hermenegildo Sábat(67) puede ser visto acaso como una rara mezcla de ángel y duende. Hosco y obstinado como una roca dura, pero a la vez sensible y transparente como el agua blanda, el artista camina casi sin hacer ruido entre mesas y tableros. Desde las paredes lo miran fijo sus propias caricaturas de Troilo, Picasso, Groucho Marx, García Lorca, Brecht y naturalmente el célebre trompetista Duke Ellington. Pero él está demasiado concentrado como para prestarles atención. Apenas si levanta la vista cuando, también desde la pared, su inimitable versión de Marilyn Monroe parece guiñarle un ojo. En las estanterías de los costados duermen sus libros (Scat, Seré breve, Vernissage y Tango mío, entre otros) y los de unos cuantos grandes artistas de todas las épocas, como el exasperado y procaz Egon Schielle, o el refinadísimo retratista alemán Hans Holbein.

Mientras en el equipo de música suena casi en sordina un viejo tema de Charlie Parker, el maestro pinta en silencio, como abstraído. Obviamente no le gusta hablar, y para explicarse sin dejar de ser coherente, señala hacia un costado, con el dedo, una de las incontables frases que tiene pegadas en un panel de telgopor: Calle, la palabra mata el sentido creador. Era un consejo que Ernest Hemingwaysolía darles a los escritores excesivamente locuaces. Cuando se lo interroga una vez más sobre el carácter editorial de sus ilustraciones periodísticas -ya que ningún entrevistador que se precie de tal debe evitar las preguntas obvias- Sábat se hace el distraído y dice: “Yo no voy a poner palabras para hablar de algo que no tiene palabras”. Tiene razón. Si al poeta Raúl González Tuñón lo dibuja con alas de ángel y al ex dictador Pinochet lo presenta con colmillos de lobo y manchas de sangre alrededor -o a Galtieri con una eterna copa de whisky en la mano- poco o nada hay que agregar. Como contrapartida, el rostro sin rostro de los desaparecidos asoma como carne viva y acusadora en el papel.

¿Cuál es, finalmente, el verdadero Sábat? ¿El filoso caricaturista que echa a volar sus broncas y alegrías cada mañana a la manera de un periodista mudo, o el delicado artista que expuso sus pinturas, paisajes y retratos en el Museo Nacional de Bellas Artes en 1997? Entre ambas opciones lo mejor es elegir las dos. Porque la obra múltiple del señor Hermenegildo no admite esos burdos encasillamientos. Sábat, además, ni siquiera necesita la opinión de los habitualmente aburridos críticos de arte. Sus expresivas, sutiles y contundentes pinturas existen como verdades irrefutables. Y sus caricaturas no tienen igual. En unas y otras sobrevuela además la marca de la desobediencia, otra virtud entre las muchas que caracterizan a su inspirado hacedor.

“Yo dibujo con el corazón en llamas”
¿Todavía le preocupa saber si es buen pintor?
Lo que siento ahora es que vengo progresando en mi camino de autodidacta, que por supuesto no se lo recomiendo a nadie. Todo se hace más lento y surgen dificultades a la hora de determinar qué cosas son vivencias y cuáles meras apariencias. Yo no sé si pinto bien, pero sé que lo que estoy haciendo me representa. Y no es poco.

Etimológicamente hablando, la palabra “arte” alude justamente a un modo muy propio de ser o existir.
Sí, y ese ejercicio se relaciona también con el respeto por los artistas que trabajaron antes. Y el respeto por uno mismo también.

¿Qué quiere decir exactamente?
Veámoslo así: yo pienso que potencialmente todos somos artistas, todos tenemos la posibilidad de convertirnos en creadores. Claro que después viene la escuela y las presiones familiares, los mandatos sociales y esas cosas, que frustran muchas vocaciones ocultas. En realidad, la gente siente que en ninguna parte es respetada. Por eso, cuando percibe una actitud diferente, se abre la camisa y vuela como Superman.

Uno podría pensar que si un Superman real hubiese nacido en la Argentina, tarde o temprano lo bajarían de un hondazo.
Es cierto, acá no se estimula a la gente. Y si alguien levanta vuelo, sólo genera envidias y recelos a su alrededor. Otro problema grave que yo veo en la Argentina es la pésima educación artística que hay.

¿Se refiere a la forma en que se les enseña a dibujar a los chicos?
Por ejemplo. Siempre es bueno recordar eso que decía Picasso de que a los noventa años le hubiese gustado aprender a dibujar como un niño. Pero qué pasa, aquí a los chicos ni siquiera se les enseña a agarrar el lápiz. No se les demuestra que si uno toma el lápiz desde el extremo superior puede dibujar con más libertad, y que si en cambio lo agarra cerca de la punta inferior ni siquiera ve lo que está dibujando.

En todo caso eso se puede rectificar. Hay cosas todavía más graves, como la idea tan difundida de que el arte es algo serio y aburrido, o que es privilegio de la gente paqueta y supuestamente culta.
Mis mejores alumnos del taller no tienen un peso y por lo general tampoco tienen acceso a las grandes obras de arte que se exponen en el mundo. Y eso para no hablar de Van Gogh, que sólo vendió un cuadro y a su propio hermano. Ahora sus obras se venden a veces por más de cien millones de dólares.

Curiosamente los medios locales suelen interesarse por el arte cuando un cuadro de Van Gogh o de Frida Kahlo se vende a precios muy altos. El cuadro en sí como mensaje o producto artístico parece un tema completamente secundario al lado de su valor expresado en millones de dólares.
Eso es así porque vivimos bajo el imperio de la pavada. Entonces la gente sabe que Van Gogh se cortó una oreja, pero desconoce su obra, sus angustias, sus formas de pintar o dibujar. Ahora se sabe de los artistas lo que menos importa, si se emborrachaban, si salían con tal o cual mujer, si Mozart era perseguido por la sombra de Salieri o si se dormía en los conciertos. Preguntan: ¿estaba enfermo Charlie Parker? Cuando acaso deberían preguntar al revés, ¿qué hubiera hecho Charlie Parker si no se hubiera enfermado?

¿Y qué hubiera hecho?
Eso a mí no me importa. Me basta con la genialidad de su música.

“La felicidad es una verdad que sobrevive”
¿Por qué sus caricaturas son mudas?
Eso viene de cuando trabajaba en La Opinión, que es el diario que de alguna manera me hizo conocido en todas partes. Mi condición para trabajar allí fue que mis dibujos carecieran por completo de palabras.

¿Cuál es su problema con las palabras?
Es que aquí la gente se pelea por las palabras y no por las ideas. Además me parece que de ese modo yo puedo decir un montón de cosas que si estuvieran por escrito me impedirían seguir trabajando. Cuando se hablaba por ejemplo de las relaciones carnales con Gran Bretaña y Estados Unidos yo dibujé a Di Tella con los lienzos por el piso. Creo que en ocasiones el silencio es preferible al caos y al vacío. Además el trabajo creador se enriquece cuando hay concentración y tranquilidad. No siempre el que calla está otorgando.

¿Se considera un hombre feliz?
Sí, trabajo en lo que me gusta, estoy acompañado por el amor de mis hijos y mi mujer. No me puedo quejar.

Hay gente que dice que sólo se puede ser feliz por brevísimos instantes.
Es probable. Pero tampoco creo que uno pueda ser feliz por obra de un arrebato. Hay una acumulación de vivencias y cuestionamientos, como las capas que se superponen en un cuadro. Abajo van aflorando las capas anteriores, y la felicidad es un resultado de todo ese proceso de vida acumulada, de incorporaciones y descartes, acaso como una verdad que sobrevive al autoengaño y la mentira que nos rodea.

¿Cree que los artistas están más cerca de esa verdad que el resto de las personas?
Ellos son diferentes, tienen otro tipo de preocupaciones. No digo que eso los haga mejores, pero al menos ofrecen un ejemplo, sobre todo en una sociedad como la nuestra, acostumbrada a vivir de una manera vulgar, yo diría que groseramente materialista.

Del jazz a la música clásica
A usted se lo asocia mucho con el jazz. ¿Se puede decir que es un fanático del género?
He dibujado a músicos de jazz, y escribí muchas notas al respecto. Pero también escucho música clásica, especialmente Brahms y Mozart. No me interesa estar muy actualizado en ese terreno. Siempre digo que no se puede estar en todos lados al mismo tiempo. A la mañana vengo al taller, trabajo siete u ocho horas, después voy al diario donde me gano la vida, y finalmente doy clases y aprendo francés dos días por semana. Es todo lo que puedo hacer.

¿Siempre trabajó en diarios?
Bueno, desde que dejé Uruguay, al cumplir los 31 años, y llegué a Buenos Aires, mi aspiración siempre había sido trabajar en un diario para así poder pagar mi arte. Ése era mi proyecto. Después aprendí a sacar fotos, a redactar y a diagramar. Me convertí de hecho en un periodista. En Montevideo, en 1965, llegué a ser secretario de redacción de El País. Pero cuando alcancé esa supuesta meta decidí patear el tablero, quemar las naves y venirme para la Argentina.

¿No se sintió un irresponsable haciendo eso?
No, porque de lo contrario me hubiera convertido en un burócrata, y ésa no era la idea.

¿Quiere decir por ejemplo que ser jefe de redacción de un diario es algo así como convertirse en un burócrata?
Quiero decir que yo no sirvo para decirle a alguien que me traiga un café. Y mucho menos para sugerir que a tal o cual tipo hay que echarlo del diario. No soportaría verme en esa situación.

¿A usted ya lo echaron de algún lado?
Aquí en Buenos Aires muchas veces. Tanto que una vez estuve a punto de volverme a Uruguay. Una vez el dueño de una agencia de publicidad me llamó para decirme que me tenía que ir pero que yo era un gran tipo. Yo le repliqué: “No sea hipócrita, usted me está echando”. Cuando te quedás en la calle, esta ciudad puede llegar a ser muy dura. En la intemperie no hay ningún reparo. Por eso siempre digo que vivir de la vocación no es un privilegio sino una condena.

¿Por esa razón sigue trabajando en Clarín?
Las razones son varias. En primer lugar, yo no sé moverme hábilmente en el mercado de arte. Y en segundo lugar, el hecho de haber estado ocho veces en la calle, me marcó mucho, yo diría que demasiado. En última instancia no creo que el trabajo público de periodista sea algo de décima categoría. Es algo muy respetable y digno.

Algunos escritores que en sus inicios trabajaron en diarios, como por ejemplo Hemingway, solían decir que el periodismo es algo con lo que hay que saber cortar a tiempo.
De acuerdo, pero otro procedimiento podría ser no mezclar las cosas. Cuando uno trabaja en un medio de gran penetración hay que dividir claramente qué es lo que uno quiere hacer. Yo sé que en el diario me gano la vida. Eso es todo.

Me parece que está subestimando su perfil periodístico. Muchos de sus dibujos “de circunstancias” han hecho historia.
De acuerdo, pero eso se debe a que yo me siento más seguro dentro del diario haciendo un trabajo combativo que un trabajo conformista. Cuando encaro un dibujo no puedo dejar de recordar que va a ser visto por un millón de personas. Por eso, cuando dibujo, trato de mantener el corazón y la cabeza hirviendo, y la mano helada.

Historia de un nombre
¿De dónde sale el sobrenombre Menchi?
Es como un diminutivo cariñoso de Hermenegildo. Mencito, Menchito, Menchi… Qué le vamos a hacer, el nombre es una carga que se lleva durante toda la vida.

¿Le pesa llamarse Hermenegildo?
No especialmente. Además, con esta cara, ¿qué nombre cree que puedo merecer? Mi abuelo se llamaba así. Lo que seguro no me hace ninguna gracia es ver, en el cementerio central de Montevideo, mi nombre grabado en esa lápida. Pero me divierte siempre recordar una anécdota que viví cuando conocí a Blanca, mi actual mujer. “Yo sé que a vos te dicen Menchi -me encaró- pero quisiera que me digas cuál es tu nombre verdadero. ¡No me vas a decir que te llamás Hermenegildo o algo así!”

A juzgar por los años que llevan de casados, parece que su nombre no fue un obstáculo para conquistarla.
Parece que no. Blanca me lleva aguantando ya treinta y seis años. Tuvimos dos hijos, Rafael de 34 años y Alfredo de 31. No somos abuelos todavía pero vivimos bastante bien.

¿Tuvo muchos amores antes de conocerla?
No, yo diría que ninguno. Ella fue mi única novia. Me la presentaron en una fiesta en la que caí por accidente, acompañando a dos hermanas. Blanca era de Colón, un barrio de Montevideo. Cuando me conoció todavía no había visto mis dibujos. Para esa época yo vivía en el barrio de Pocitos.

Cerca de la playa.
A tres cuadras. Ése es uno de los grandes privilegios que tienen los montevideanos. La playa siempre está a un paso y es un elemento muy fuerte de integración social. Y lo bueno es que la costa puede ser utilizada por todo el mundo; no pertenece a nadie en particular. La gente está liviana de ropas y nadie se ve obligado a fingir lo que no es.

Creo haber leído que a fines de los cincuenta usted fotografió a una mujer completamente desnuda por la calle y en pleno día…
Sí, y para colmo esas fotos fueron publicadas. Desde entonces me sentí tan mal que no volví a tocar una cámara por diez años. Montevideo tiene esas cosas verdaderamente maravillosas.

Parece como si hablara del mismísimo paraíso.
Hablo en realidad de esa infancia feliz que tuve en Pocitos. Mi padre era profesor de literatura, un intelectual que llegó a ser director general de la enseñanza secundaria en Uruguay. Mi vieja era porteña y lo acompañó siempre. Yo estudiaba y cuando podía iba a la playa.

¿Fue un buen alumno?
No, creo que como estudiante dejé bastante que desear. En realidad yo quería dibujar, y nada me importaba más que eso. Una vez, cuando tenía 16 años, escuché a una chica decirles a sus amigas: “Menchi es una sola cosa”. Y creo que tenía razón. A veces pienso incluso que todos somos una sola cosa, algo que se puede ampliar, estancar o frustrar. Pero que siempre está ahí como una marca, como una posibilidad.

 

Ver también: Solidaridad con Hermenegildo SábatDurmiendo con el enemigoSábat, Cristina y VerbitskyNo empecemos
El ensayista
Sábat, aunque mucha gente no lo sepa, es poeta y ensayista. En este último rubro abordó muchos de los temas que lo obsesionan: el tango, el jazz, la hipocresía de algunos políticos, la salvación del alma por el arte. Adioses tardíos recoge acaso los mejores de esos trabajos.
Sábat eligió para educ.ar los textos que siguen:

Uno/ Ser artista
Las letras de tango y, de una manera más amplia, la picardía criolla han devaluado el sentido genérico de la palabra “artista”. Los diccionarios se remiten a pontificar: persona que se dedica a una de las bellas artes (con minúscula). Cuando se trata el tema entre gente ilustrada, el Artista (con mayúscula) es alguien que se ha ubicado más acá de las bellas artes, las ha trascendido y, como hubiera dicho Duke Ellington, está más allá de cualquier categoría. Es probable que el o los conceptos sobre mucho de lo ya sostenido estén al borde de la autodestrucción, pero es indudable que los principios éticos y la espontaneidad de sentimientos todavía y por un largo plazo van a seguir ayudando a quien posea, además, talento y lo que hay que tener.

Esa falta de respeto por el artista y la innegable superficialidad con que se los juzga, o, mucho peor, los remedos a que nos pretende acostumbrar la cultura del shopping center obligan a insistir recalcando, quizás, lo obvio.

El aspirante a cualquier taller, escuela, estudio o similar, casi siempre está más preocupado por la gratificación otorgada a obras propias que por la comprensión de lo que hizo.

Las urgencias, limitaciones y falta aparente de oportunidades son ciertas y evidentes, en Montevideo y también en Buenos Aires o cualquier otra ciudad más o menos opulenta. Resulta incómodo afirmar que las oportunidades no se ofrecen, se advierten.

Pero no hay que desesperar: es posible ser honesto, espontáneo, buen amigo y también un profesional capaz de pagar impuestos, educar hijos, no descreer de ideologías y cosmovisiones y al mismo tiempo ser propietario de algún espacio para vivir y tener la desgracia de viajar y conocer otros espacios y demás ámbitos.
Esto no significa transformarse en un burgués archiconsumista, sino transitar tres etapas, las que cualquier aspirante a artista (con o sin mayúscula) debe recorrer.

Nadie debe sentirse infradotado ante esta advertencia. Cualquier visteo hecho por un aspirante rápido lo conduce con corrección a discriminar una tiza (o pastel) de un pomo de acuarela, y un papel de una tela. Eso no constituye desde ya suficiente argumento para afirmar: “A mí no me gusta la acuarela”, como si se tratase de un algún plato de cocina que afecta al hígado. O, con defensa tan poco plausible, rechazar la tela porque no se ha usado.

Hay que dibujar con lápices duros, grasos, blandos, de colores, carbonillas duras, blandas, sanguinas, barras litográficas, lapiceras con plumas (sí, esas que se usaban en las escuelas) todas las plumas que se encuentren, pinceles de todo tipo y mezclarlos con tintas, acuarelas (de lata o de pomo), acrílicos (con su médium correspondiente, nunca con agua), óleos, pintura de tarro, todo. Pero no todo a la vez. Hay que tener curiosidad por los materiales e investigar sin esperar consejos ajenos. No hay que ser autodidacta. Se pueden confundir ciertos avances “interiores” con descubrimientos elementales. No hace falta ser atropellado por un camión para enterarse de que no se cruza una calle cuando en el semáforo está iluminado el sector rojo. Tampoco el conocimiento teórico estricto es garantía para compartir el Olimpo con los elegidos post mortem, pero ayuda.

Si se ha logrado una amistad con los materiales (en lo posible íntima), hemos abandonado el primer escalón y nos encontramos, súbitamente, en una meseta que es casi seguro nadie podrá recorrer por completo. Aun así, es obligatorio conocer sus barrios, y, muy especialmente, sus salas de espejos. Una visita guiada nos ilustra, recién ubicados en la meseta, que uno de los más grandes artistas del siglo, don Henri Matisse, siempre temblaba delante de una tela virgen.

Si no le gustan las telas blancas, píntelas de negro, pero no haga como Barnett Newman, un neoyorquino que las firmaba. No limite sus dudas; si no le gustan las telas pruebe con otros materiales, pero es probable que en algún momento se encuentre sin saber qué hacer. Ese instante es positivo. Hay que generar un sistema de trabajo, que conducirá, sin dudas, a una disciplina, nunca a una rutina. Si se reconocen esos momentos, que inevitablemente suceden, podrá sentirse la tranquilidad de saber que las obras esperan aunque uno no se encuentre con ellas.

Uno de los errores de la enseñanza de dibujo en los institutos secundarios obliga a condenar a los alumnos a que “terminen” un dibujo en cuarenta o cuarenta y cinco minutos, durante dichas clases. Esa malformación dificulta posteriormente a muchos aspirantes que no logran comprender que, hasta ahora y afortunadamente, ningún museo del planeta ubica debajo de las obras expuestas su tiempo de realización. Los que ven televisión se enteran de que Charlton Heston (perdón: Miguel Ángel) tardó cinco años en pintar la Capilla Sixtina, y por suerte la película duró sólo dos horas.

Así como hay muchos, tal vez la mayoría (y no es injusticia) que nunca superan el reconocimiento de los materiales, y dedican sus vidas al know-how y ahí vegetan, no es para nada criticable que se dedique una vida a las búsquedas y a las experimentaciones. Sin ánimo de desalentar a quienes lleguen a leer estas líneas puedo animarme a sugerir que la parte más interesante ocurre cuando se poseen los elementos que nos conducen a entender lo que hacemos y por qué. Esto no se logra sin haber hecho muchos dibujos y muchos cuadros, si no se han tirado también otros dibujos y cuadros y escuchado lo que muchas personas dijeron y hasta leído lo que otros escribieron sobre ellos. Para eso no son necesarios divanes. Se recomienda leer vidas de grandes artistas y tener muchos almanaques encima. Además, si no es mucha insistencia, vale la pena no tomarse en serio, observar lo que hacen los demás para disfrutar (y no para copiar), y de vez en cuando visitar los espejos de la meseta para observarse. Si no somos lindos, mala suerte.

Si se superan todos estos escollos, uno podrá sonreír con las letras de los tangos y aportar algún dato a la picaresca criolla. Y en esos instantes, Rudyard Kipling podrá ser nuestro hijo.

Dos/ Tango sin palabras
A nadie le gusta admitir que el tango produce disgusto, pero no hay que desesperar. Evidencias sobrevivientes, pálidas y escasas, sucumben ante aluviones de sonidos monótonos -en el mejor de los casos, pésimos- habitualmente bendecidos y multiplicados por imitaciones y plagios que embelesan a empresarios, idólatras descerebrados e incluso supuestos intelectuales, unidos para defender apropiaciones rotuladas como “nacionales”. El tango resiste los avances y no ha desaparecido, aún. […]

Los excesos, abusos, perjuicios y hasta persecuciones al idioma que se han enquistado en el género, no impiden aplaudir a los poetas genuinos del tango, oasis al que se arriba luego de precipicios y lagos repletos de tiburones hambrientos. Los ámbitos donde nació el tango ya no existen y los decorados que se repiten para recobrarlos -el farolito, el empedrado, las medias luces-, son escenografías falsas, reaccionarias, poco creíbles. El centro de Buenos Aires, que impidió a Lola Mora instalar su fuente en la Plaza de Mayo para que no se divulgara que los desnudos existen, decretó que los barrios de La Boca del Riachuelo y Barracas eran tugurios habitados por inmigrantes de décima categoría, estibadores ignorantes, rameras, explotadores y músicos malditos. Como si fuera poco, en 1904 La Boca consagró diputado a Alfredo Palacios, primer socialista que alcanzó ese rango en todo el largo continente americano. Lo único que le faltó a La Boca fue trasmitir la lepra.

La década del veinte observó a robustos porteños frecuentar transatlánticos que los trasladaban a París acompañados por otros robustos ejemplares vacunos ubicados en la tercera clase. Ahora se trata de disimular o se niegan las visitas de esos bacanes a los mundanos boliches parisinos. Existen testimonios fotográficos y dibujos que las acreditan. Lo que resultó difícil admitir a estos habitantes del centro de Buenos Aires y su barrio norte fue cómo nadie entre ellos intentó ganar dinero con esa música de orígenes indeseables que había fascinado a los franceses. Lo que no logró el tango ha sido reivindicado por los simpatizantes de Boca Juniors: el barrio fue visitado (y depredado).

Cuando es dable viajar y por coincidencia casi mágica se escucha Ranún, de Luis Petrucelli, o Vayan saliendo, por el sexteto de Julio De Caro, o Milongueando en el 40, por la orquesta del gordo Troilo, o Adiós Nonino del maravilloso Astor Piazzolla, se producen conmociones internas indescriptibles, donde no intervienen mujeres flageladas ni madres explotadas ni delatores ni otras traiciones. Esos sonidos, sin palabras, por los que nadie se pelea y a todos pertenecen aunque lo ignoren, habrán de sobrevivir a músicas enlatadas, exhibicionismos que intentan sustituir la ausencia de talentos y hasta los ruidos que ponen a prueba las resistencias auditivas caninas.

Esta música, por la que somos identificados en Japón o Madrid, Los Ángeles o Moscú, debe contener algún ingrediente milagroso que desarrolle su resistencia al castigo.

El amante del jazz
La vieja magia de la música negra estadounidense siempre lo cautivó. Ama el scat, adora a Duke Ellington -a quien retrató de mil maneras diferentes- y su alma armoniza muy bien con el blues. Sábat escuchó, dibujó y hasta soñó con el jazz desde muy joven.

El pintor
Se lo discutió como pintor, a la vez que se lo aplaudió como dibujante y caricaturista. Pero Sábat se ríe de esos rótulos y exhibe, en este terreno, una obra amplia y refinada. Es más, los críticos deben admitir ahora que el notable pintor que hay en él está dejando atrás al dibujante.

El fotógrafo
Pocos lo conocen en este rol. Y sin embargo Hermenegildo Sábat viene sacando fotos que están a la altura del resto de su obra. Una vez lo sorprendió a Fidel Castro, en 1967, en Punta del Este. También enfocó a grandes músicos de jazz y a simples bancos de plaza de cualquier lugar del mundo.

Los caminos de la censura
Por: Hermenegildo Sábat, dibujante y artista plástico

Como muchas otras libertades, después de ganar respeto y merecer justificada reputación, la libertad de prensa se encuentra en la extraña, incómoda posición de ser desdeñada, cuando no mutilada.

Quienes han estado cerca del periodismo son conscientes de que su ejercicio nunca significó escribir cualquier cosa para después publicarla; sin embargo es demostrable que eso sucede en crónicas, títulos, epígrafes y también, en columnas de opinión. Actuando así, muchas publicaciones han logrado éxitos de venta, y sus lectores, casi siempre, están preparados para leer lo que ya sabían que iban a leer. Estos abusos de la teoría oscurecen el esfuerzo de quienes han soñado y sueñan con una profesión dedicada a enaltecer valores superiores, denunciar atropellos, injusticias y maldades, defender el idioma para que no sucumba y multiplicar, de esa manera, los hábitos de lectura. Una ironía habitual en la profesión conduce a preguntar quién fue el primero que editó un diario, originador de la especie, que se privó de la tijera y no leyó los títulos del competidor para mejorar su tiraje.

El menosprecio es consecuencia, además, de los propios errores que se imprimen, horrores inadvertidos que generan, por lo menos, ridículos imperdonables. Percibir únicamente el ridículo es un pasaporte para ser aplaudido entre sus practicantes. Pero el desfile de tenaces, anónimos burócratas del género saca partido de una evidencia: mientras lo publicado sea un ejercicio de barbarie y no roce a los poderes, valdría (casi) todo. No se trata de asumir posturas solemnes, cuadradas, reaccionarias. Cervantes y Borges usaron palabras groseras y no son recordados por eso.
Y, en algunos casos, el buen humor auxilia y esclarece. Un título publicado en la década del 70 en La Razón excede comentarios: Un comerciante mató a otro asaltante. No interesa juzgar al autor. Vale la pena felicitar su ingenio.
La libertad de prensa no es una Constitución con preámbulo, artículos y enmiendas. Su respaldo moral no es abstracto: la cita de hechos concretos y datos comprobables no es discutible ni punible. Atacar esas evidencias, reaccionar sin argumentos es consagrar esa palabra tan temida: censura.
La inseguridad, que alcanza a gobernantes y muchos gobernados, deriva en susceptibilidades que conducen a persecuciones, despidos y exilios. Un subterfugio previo es la condescendencia (“Usted es testigo de que yo he permitido…”), que no explica la apertura a la ofensa personal que obsede a los pobladores del poder. La censura alcanza a palabras, fotografías, dibujos e imágenes de TV. Un testimonio citable: el gran fotógrafo anti nazi Alfred Eisenstaedt reconoció a Josef Goebbels en la Liga de las Naciones: “Cuando me acerqué en el jardín del hotel, me miró con ojos llenos de odio, esperando que temblase. Pero no temblé. Si tengo una cámara en mis manos no conozco el miedo.”
Me molesta citarme, espero ser comprendido. He vivido en Clarín 35 años. Nunca me dijeron qué tenía que dibujar. Como siempre existen malpensados recuerdo que una vez no publicaron un dibujo. No me animo a contar todos los que se publicaron.
Fotos: Ricardo Gonzalez, Ariel Grinberg, Lucía Merle

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“RELEVAMIENTO DE LA CATEDRAL DE MAR DEL PLATA “

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El Colegio de Arquitectos de la Provincia de Buenos Aires Distrito IX inaugurará este miércoles a las 19  la 4° Muestra de este año Ciclo “Expresiones de Arquitectos”.

Se trata de “Relevamiento de la Catedral de Mar del Plata”,  Investigación histórica de la Arquitectura a través del dibujo”, del Arq, Máximo Bonetti que se expondrá en su sede de Dorrego 1657 hasta el 31 de mayo, con acceso libre y gratuito.

La curaduría está a cargo del  presidente de la institución, Daniel Monzón y del artista plástico Cristian Dalgaard. La coordinación es de la Arq. Romina E. Chocou.

Al respecto Bonetti señaló: “Pasaron ya casi 30 años desde que comencé a relevar y estudiar la Catedral de Mar del Plata.

Conocerla y comprenderla era una vocación que comenzó en mi infancia cuando asistía a misa allí en compañía de mis padres. Mi mirada y pensamiento recorrían ese espacio, entonces inconmensurable para la percepción infantil.  Vagando desde la misteriosa y oscura profundidad de la Cripta para detenerme en el dibujo de las baldosas del solado que muchos años después pude comprender. Desde allí ascendía por los pilares de la nave hacia las alturas, hasta los vitrales y las bóvedas. Terminada la Misa, mi “rito” consistía en recorrer el semi laberinto del crucero en dirección al centro, ritual de peregrinaje intuitivo, pues todo ser humano busca en algún momento de su vida su inhallable Jerusalén Celeste.

En eee entonces desconocía que alguna vez habían existido personajes como “Pedro Benoit”, su proyectista, y su romántica historia de reyes perdidos. Que en su lejana Patria de origen un Movimiento Medioevalista encabezado por Alphonse Didron y sus “Annales Archeologiques”, en la primera mitad del siglo XIX proclamaban la absoluta superioridad de la Arquitectura Gótica del siglo XIII sobre el resto de la Arquitectura Medioeval. O el monumental “Eugene Emmanuel Viollet-le-Duc”,que más  allá de un restaurador fue un resucitador del estilo.  Y alejándome en el tiempo en este viaje retrospectivo que conlleva el estudio y la comprensión de le Historia de la Arquitectura, a los creadores de los modelos originales cuyos nombres conocemos, como “Jean D’ Orbais” (Reims), “Robert De Luzarches” (Amiens). Sin dejar de lado a los que realmente marcaron mi posterior accionar, como los antagónicos “Abad Suger de la Abadía de Saint Dennis”, y el estoico Monje, “San Bernardo de Claraval”. Por otro lado también  esa entelequia del estudiante de arquitectura viajero, característico de la Edad Media, como “ Villard De Honnecourt”, y su maravilloso Manuscrito del siglo XII. Todos ellos marcaron mi vida en forma indeleble.

Nuestra catedral es la “Summa”, el compendio de todo este pasado. Un tratado de arquitectura que nos revela sus secretos. Esto no es común a todos los edificios decimonónicos, pero en su caso confluyeron una serie de factores históricos poco comunes que la convirtieron en un edificio de características singulares. Ejemplo de esto es su perfecta geometría , que poco se aparta en su interior de los cánones compositivos del siglo XIII, como vemos en el alzado del muro de la nave mayor, culminando en una vidriera (claristorio) de 36 ventanas, ordenadas temáticamente y en la cual cada una relata la vida de un Santo, o un pasaje del Nuevo Testamento. 29 de ellas son de características poco común ya que fueron diseñadas y pintadas por el Maestro Vidriador y Pintor “Emmanuel Champigneulle”, oriundo del Condado de Var-le Duc, perteneciente al Taller: “Ancient Maison Marechal et Champigneulle de Metz”, siendo esta la cuna del vitral europeo, y por añadidura, los vitralistas del mismo Viollet-Le-Duc. Y por encima de todo, vemos el intradós de las bóvedas de crucerías cuadripartitas, tan clásicas, tan equilibradas con su geometría de “Ojivas Equiláteras” ocultándonos en realidad su maravillosa verdad constructiva.

Edificios como este constituyen la síntesis perfecta de un proceso histórico que comienza en el siglo XII, y se prolonga en el tiempo hasta el siglo XIX, y principios del XX. Sin embargo, Pedro Benoit  se aparta de la corriente,  puesto que prefería utilizar el término “Ojival” al de “Gótico” para su obra religiosa ya que atribuía a este último un carácter peyorativo y sin un significado preciso. Mientras que el primero explica y determina perfectamente el género de la arquitectura y el estilo que representa, valorizando de alguna manera aspectos de materialidad que respeta al pie de la letra, fiel a su formación arqueológica heredada del “Diccionario Razonado” de Viollet.  Como él mismo explica, -“adopta este Estilo para sus iglesias porque lo considera esencialmente Cristiano”-, pero, por otro lado maneja libremente la estructura simbólica  y  con un sentido “americanista”, (a la manera de Thomas Jefferson) incorpora un carácter autóctono a su obra utilizando la flor de la pasión (Pasiflora Cerúlea) como “Leitmotiv” ornamental del templo.

Hubo tiempos en que el templo fue olvidado, aun así  mantuvo su grandeza, escondida en su interior, y así sucedieron 126 años, y envejece, y se complace en envejecer, como diría el Romántico “John Rankin” en su Lámpara de la memoria”, porque a pesar de todo está vivo.

La sumatoria de todo lo antedicho fue el motor de mí accionar en la Catedral, lo que me motivo a descifrarla. Para lograr este objetivo comencé por el dibujo, utilizando los métodos del Relevamiento Arquitectónico como una herramienta para el análisis, la crítica y la comprensión del monumento. De esa forma pude revelar sus leyes de crecimiento armónico, ajuste proporcional, y en síntesis, su lógica sistémica.

Las pequeñas intervenciones proyectuales fueron consecuencia del tiempo transcurrido en su interior, en jornadas de relevamiento, a través de las cuales comencé a ser parte del lugar. En  1991 comenzó la construcción del nuevo Pórtico (acceso lateral con rampa hacia el Pasaje del Obispado), y un tiempo después instalé mi estudio en la torre de la fachada lindante con la calle Mitre. Por algunos años permanecí allí.

Finalmente, como todas las relaciones intensas, un día terminó”, apuntó.

Cabe destacar que este Ciclo de exposiciones, declarado de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de General Pueyrredon – Resolución Nº 0716,  fue creado en 2013 y de manera ininterrumpida da visibilidad y conecta con la comunidad a los excelentes trabajos artístico visuales que desarrollan sus matriculados a la par de su actividad específica en la Arquitectura. Para ello se ha acondicionado la Sala de Exposiciones en su aspecto tanto estético y funcional como lumínico.

 

Marta Abachian

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Sociedad

Día del Himno Nacional Argentino: los secretos que dieron vida a nuestra marcha patriótica

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Cuenta la historia que la noche del domingo 24 de mayo de 1812, Vicente López y Planes fue uno de los espectadores que habían ido al Teatro El Coliseo a ver la obra El 25 de Mayo, a la que el catalán Blas Parera le ponía música. Dicen que, inspirado por el coro interpretado por el pueblo que le cantaba a la libertad, escribió los primeros versos de una canción patriótica, numen de lo que sería el himno nacional. Hubo historiadores que se ocuparon, en sendos trabajos, de descubrir los orígenes y el desarrollo de este símbolo patrio, como son Esteban Buch, Luis Cánepa y Dardo Corvalán Mendilaharsu, por nombrar a algunos. Ya en 1810 había sido publicada en La Gaceta una primera canción patria.

Pero otra parte de la historia señala que el Cabildo estaba empeñado en la búsqueda de compositores y autores de un himno nacional. Y, llegado el momento, se sometieron a una compulsa dos obras; una, de Fray Cayetano Rodríguez, un sampedrino que había adherido al gobierno de Mayo y que cuatro años después sería diputado en Tucumán; y la otra, de Vicente López y Planes. Si bien no existen datos concretos, luego de escuchar ambas composiciones, se habían inclinado por la del clérigo pero éste, al escuchar la otra versión, retiró la propia. También, algunos autores dicen que su obra se impuso sobre la de su amigo, el poeta y militar Esteban de Luca, quien en 1812 también había escrito una marcha patriótica.

En noviembre de 1812 se la ejecutó frente al gobierno; el viernes 7 de mayo de 1813 en la casa de Mariquita Sánchez de Thompson y el 11 de mayo, cuatro días después, la Asamblea General Constituyente la sancionó como la marcha patriótica oficial. Esta es:

Oíd mortales el grito sagrado
Libertad, libertad, libertad;
Oíd el ruido de rotas cadenas
Ved el trono a la noble igualdad
Se levanta en la faz de la tierra
Una nueva, gloriosa nación
Coronada su cien de laureles
Y a sus plantas rendido un león.

Sean eternos los laureles
Que supimos conseguir
Coronados de gloria vivamos
O juremos con gloria morir.

De los nuevos campeones los rostros
Marte mismo parece animar
La grandeza se anima en sus pechos;
A su marcha todo hacen temblar.
Se conmueven del Inca las tumbas
Y en sus huecos revive el ardor
Lo que va renovando a sus hijos
De la Patria el antiguo esplendor.

Pero muros y sierras se sienten
Retumbar con horrible fragor
Todo el país se conturba por gritos
De venganza, de guerra y furor.
En los fieros tiranos la envidia
Escupió su pestífera hiel
Su estandarte sangriento levantan
Provocando a la lid más cruel.

¿No los veis sobre México y Quito
Arrojarse con saña tenaz?
¿Y cual lloran bañados en sangre
Potosí, Cochabamba y La Paz?
¿No los veis sobre el triste Caracas
Luto y llantos, y muerte esparcir?
¿No los veis devorando cual fieras
Todo pueblo que logran rendir?

A vosotros se atreve argentinos
El orgullo del vil invasor
Vuestros campos ya pisa cantando
Tantas glorias hollar vencedor
Mas los bravos, que unidos juraron
Su feliz libertad sostener
A estos tigres sedientos de sangre
Fuertes pechos sabrán oponer.

El valiente argentino a las armas
Corre ardiendo con brío y valor
El clarín de la guerra, cual trueno
En los campos del sud resonó
Buenos Aires se opone a la frente
De los pueblos de la ínclita unión
Y con brazos robustos desgarran
Al ibérico altivo león.

San José, San Lorenzo, Suipacha,
Ambas Piedras, Salta y Tucumán
La colonia y las mismas murallas
Del tirano en la banda oriental
Son letreros eternos que dicen:
Aquí el brazo argentino triunfó
Aquí el fiero opresor de la Patria
Su cerviz orgullosa dobló.

La victoria al guerrero argentino
Con sus alas brillantes cubrió
Y azorado a su vista el tirano
Con infamia a la fuga se dio
Sus banderas, sus armas se rinden
Por trofeos a la libertad
Y sobre alas de gloria alza el pueblo
Trono digno a su gran majestad.

Desde un polo hasta el otro resuena
De la fama el sonoro clarín
Y de América el nombre enseñado
Les repite, mortales oíd:
Ya su trono dignísimo abrieron
Las provincias unidas del Sud
Y los libres del mundo responden:
Al gran pueblo argentino salud.

Los autores

Tanto el autor de la letra como el de la música recorrieron caminos disímiles. Vicente López y Planes había nacido en la ciudad de Buenos Aires el 3 de mayo de 1785. Cursó estudios en San Francisco y los secundarios en el Colegio de San Carlos. Como teniente de Patricios, peleó contra los ingleses. Cuando regresó de Chuquisaca con el diploma de abogado bajo el brazo, adhirió a la revolución de Mayo, ocupando diversos cargos. Hasta fue presidente interino en 1827 cuando cayó Bernardino Rivadavia. Era un aficionado a la astronomía; hablaba inglés, francés, italiano y alemán y colaboraba en diversas publicaciones culturales de la época. Durante el gobierno de Juan Manuel de Rosas estuvo en el Tribunal Superior de Justicia y cuando aquel fue derrocado, López y Planes, por unos meses, fue gobernador interino de la provincia de Buenos Aires. Moriría el 10 de octubre de 1856.

Nacido como Blas Perera Morat en Murcia el 3 de febrero de 1776, este hijo de catalanes que desde muy chico fuera criado en Mataró, por 1797 emigró a América. Se ganaba la vida como compositor y como profesor de música en el Colegio de Niños Expósitos. También daba clases particulares de violín, piano y laúd y solía ser el organista de las iglesias de la ciudad. Como López y Planes, peleó contra los ingleses, pero como voluntario. El 14 de octubre de 1809 se casó en la iglesia de San Nicolás de Bari (donde actualmente está el Obelisco) con una de sus alumnas, Facunda del Rey, con quien tendría tres hijos: Juan Manuel, Dolores y Juana. La persecución a los ciudadanos españoles en estas tierras lo llenó de temor y en 1818 emprendió el regreso a España. Moriría en la pobreza en 1840.

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La ejecución de la versión oficial del himno insumía cerca de veinte minutos. Los arreglos fueron realizados en 1860 por Juan Pedro Esnaola. Este era un músico porteño pero que –curiosidades de la historia- por las ideas monárquicas de su tío español debió dejar el país en 1818, como ocurrió con Blas Parera. En Europa, por su talento musical, llegó a ser considerado un “niño prodigio”. Esnaola regresó al país en 1822, gracias a la amnistía decretada por Martín Rodríguez, y se ganó la vida como profesor de música. Entre sus alumnas se contaba a Manuelita Rosas y él mismo fue amigo personal del padre.

Fue en la segunda presidencia de Julio Argentino Roca cuando se reglamentó cuáles estrofas cantar y cuáles no. El decreto del 30 de marzo de 1900 argumentaba que el himno se había escrito en épocas en la que se luchaba por nuestra independencia, pero que con el correr de los años podía resultar ofensivo, particularmente para España, la inclusión de la letra completa. Se cantarían los primeros cuatro versos, los últimos cuatro y el coro.

Sin embargo, la polémica continuó entre intelectuales, historiadores y el periodismo, lo que llevó al presidente Marcelo T. de Alvear a formar una comisión y a ratificar, finalmente en 1928, la versión de Esnaola con los recortes impuestos por Roca. ¿Qué dirían sus autores si ahora escucharan tararear una parte del Himno, tal como ocurre en espectáculos deportivos masivos?

*Este artículo fue publicado el 11 de mayo de 2018

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Sociedad

Chaco: sigue el drama de las inundaciones y el pronóstico es poco alentador

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Cientos de personas han sido evacuadas y las pérdidas económicas llegan a los $11.000 millones. Las lluvias y el clima extremo podrían extenderse al menos hasta julio por la influencia de El Niño

El drama de las inundaciones en Chaco no cesa: cientos de evacuados, un millón y medio de hectáreas productivas afectadas y un estimado de $11.000 millones en pérdidas económicas. Pero esto no es lo peor: las lluvias y el clima extremo podrían extenderse al menos hasta julio por la influencia de El Niño, la corriente cálida del Pacífico.

Así lo indican los pronósticos del Servicio Meteorológico (SMN) que registró en esa provincia el octavo abril más lluvioso de los últimos 59 años. “Las lluvias estuvieron concentradas en el este de Chaco. La mala noticia es que se espera que siga lloviendo con la corriente El Niño activa, que en esa zona aumenta las probabilidades de tormentas y lluvias extremas”, explicó a Infobae Cindy Fernández, vocera del SMN.

Cientos de personas debieron ser evacuadas en Chaco por las persistentes lluvias

Cientos de personas debieron ser evacuadas en Chaco por las persistentes lluvias

Este fenómeno climático se suma a la saturación que sufren las napas por los anegamientos registrados en noviembre del año pasado y en los primeros meses del 2019. Esta es una problemática que tiene toda la zona del Chaco americano a causa del uso del suelo y la expansión de la frontera agropecuaria. Para darse una idea, el récord de lluvias de abril se registró en Formosa, provincia vecina y se puede apreciar en los mapas que los pronósticos no son nada alentadores.

El panorama también es complicado en áreas urbanas y agropecuarias. Los distritos más comprometidos son Las Breñas, Pinedo, Charata, Hermoso Campo, y Gancedo. Por caso, según el SMN, en lo que va de mayo Resistencia lleva 159 mm de lluvia acumulada; mientras que en Roque Sáenz Peña cayeron 85 mm y en Formosa, 170 mm.

Humberto Ramírez Arbo, un ingeniero agrónomo que trabaja hace años en la zona entre Resistencia y Formosa, contó a Infobae que hoy sólo se ve agua al costado de la ruta: “Hoy mismo hubo unas lluvias torrenciales en la zona. Eso afecta también al ganado, los caminos, a todo. Ya mismo debería estar funcionando una oficina de coordinación en la provincia para solucionarlo, al menos mitigar lo que está pasando”.

El experto contó que siguen de cerca el comportamiento de El Niño y coinciden en que el panorama a mediano plazo no es bueno: “En el año 1998 se conformó un comité de emergencia tanto para las inundaciones provocadas por el desborde del río como las causadas por la lluvia. En una sola oficina, que no es más que la coordinación de las agencias, se pueden tomar rápidamente las decisiones. Ya debería estar en marcha un organismo similar”, indicó y aclaró que aún se espera el reporte oficial de daños del gobierno provincial y el INTA.

Al costado de la ruta sólo se ve agua

Al costado de la ruta sólo se ve agua

Ramírez Arbo también se refirió a la necesidad de generar articulación con las fuerzas vivas: “Hay que tratar de los problemas que quedan después de las inundaciones. Hay que pensar que el 80% de los ingresos por la cosecha no se van a generar, los posibles quebrantos de empresas e industrias. Todo eso hay que atenderlo”.

Marcelo Repetto, ministro de la Producción de Chaco detalló a la prensa que las lluvias de los últimos meses superaron todos los registros históricos. Indicó que los cultivos tradicionales de Chaco – girasol, algodón, soja, maíz y sorgo – fueron afectados por las inundaciones y que, según los cálculos del gobierno provincial, “estos cultivos hacen una superficie de un millón y medio de hectáreas cultivadas”. “De estas, hoy 470.000 hectáreas están perdidas”, expresó.

“En lo cuantitativo es muy significativo. Estamos hablando de una pérdida en la provincia de 11.000 millones de pesos entre los cultivos que se perdieron y las superficies afectadas que se dejaron de trabajar, de sembrar. Es un impacto enorme”, dijo el funcionario.

Aunque las inundaciones en las áreas urbanas se desagotan en 24 o 48 horas los daños materiales son grandes: “Es más difícil de cuantificar, pero hay grandes daños. Hace 15 días, por ejemplo, se volvió a inundar el hospital. El agua se desagotó bastante rápido porque los ríos estaban muy bajos, pero sólo fue gracias a los cauces naturales”, indicó el ingeniero agrónomo.

Manuel Jaramillo, presidente de la Fundación Vida Silvestre, explicó a Infobae que el desmonte del bosque nativo ha contribuido a que la situación se vuelva crítica: “ha provocado que las napas se acerquen cada vez más a la superficie y, al no tener poder de absorción el agua caída empieza a acumularse. Cuando se combina este fenómeno con lluvias extremas, llegan estas tremendas inundaciones”, graficó. De hehco, la fundación realizó un trabajo con el INTA que alerta sobre este problema.

Enfermedades e inundación

El fenómeno de temperaturas elevadas combinadas con agua estancada también hace temer la aparición de dengue: “En Formosa hay cientos de casos ya y pueden llegar. Tenemos que estar preparados”, sostuvo Ramírez Arbo.

Paralelamente, comienzan a aparecer enfermedades relacionadas con las inundaciones. Así lo confirmó Maira Cardozo, del Servicio de Pediatría del hospital 4 de Junio al diario Norte: “Las lesiones en piel son lesiones que las vemos siempre en el hospital, no es que aparecieron ahora por las inundaciones, pero es algo que se da mucho en la época de verano. Y ahora sí, producto de la humedad y del agua acumulada, vemos más casos que de costumbre“.

Respecto de los potenciales casos de gastroenteritis aguda, aseguró que en las últimas semanas crecieron las consultas por niños con diarrea producto del agua, por lo que se recomendó que “por más que sea potable se debe hervir el agua para consumo humano”.

Además recomendó que si se de detecta diarrea continua, no debe darse ningún tipo de infusiones y, en el caso caso de que el niño no se alimente de manera normal y las pérdidas sean abundantes, se debe consultar con un profesional.

Fotos: Diego Ramirez

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