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Los secretos más sorprendentes de “Náufrago”: la infección que casi le cuesta la vida a Tom Hanks y una cifra exorbitante por “Wilson”

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Estrenado en los Estados Unidos hace 20 años, el largometraje de Robert Zemeckis se convirtió en un éxito mundial y una referencia ineludible para otras ficciones sobre naufragios e islas desiertas. Cómo fue el rodaje, el desafío que debieron enfrentar para llevarlo adelante y el susto que se llevó su protagonista
Tom Hanks se puso en la piel de Chuck Noland, el protagonista de “Náufrago”, hace 20 años (ImDB)

Chuck Noland hace fuerza con una madera, usa palos, inventa un instrumento para pescar, corta su ropa con lo que tiene a mano. Chuck Noland grita, llora, se entusiasma cuando, después de un esfuerzo enorme, entiende la lógica y logra prender fuego. Chuck Noland habla con una pelota, a la que llama Wilson.

Hace dos décadas llegaba a los cines de los Estados Unidos uno de los largometrajes más destacados en la carrera de Tom Hanks, por su interpretación de un rol memorable: el del hombre que queda varado y solo en una isla desierta y, pese a todos los obstáculos, se propone sobrevivir.

Náufrago (el título original en inglés es Cast Away) fue un éxito rutilante para el actor, que venía de protagonizar otros grandes tanques como Rescatando al Soldado Ryan y Tienes un e-mail.

Así se publicitaba la llegada de “Náufrago” (“Cast Away”) a los cines a finales del año 2000 en los Estados Unidos

Con la dirección de Robert Zemeckis, el largometraje llegó a recaudar más de 429,6 millones de dólares con su lanzamiento en todo el mundo y llevó a la pantalla a un personaje memorable en diciembre de 2000. Vale la pena, a dos décadas de su llegada a los cines, hacer un repaso por algunas de las curiosidades detrás de un suceso recordado hasta la actualidad.

1. ¿Historia real? Pasó al principio, en cuanto se conoció que el equipo de producción estaba detrás de una historia que iba a transcurrir en una isla desierta, con el sobreviviente de un accidente aéreo como protagonista excluyente. Tiempo después, cuando finalmente la película llegó a los cines la especulación siguió.

Sin embargo, Tom Hanks, el director y el guionista del largometraje fueron enfáticos en aclarar que Náufrago no está basada en una historia puntual de la vida real. La inspiración, en todo caso, llegó de la mano de una combinación de factores.

El propio actor, contó en una entrevista televisiva que parte de la idea apareció una vez que leyó un artículo periodístico sobre una empresa de correos. “Me di cuenta de que hay Boeings 747 repletos de paquetes sobrevolando el Océano Pacífico al menos tres veces por día. ¿Qué pasaría si uno de esos aviones cayera?”, se preguntó.

Por su enorme trabajo en "Náufrago", Hanks obtuvo el Golden Globe como mejor actor en 2001 (Imdb)Por su enorme trabajo en “Náufrago”, Hanks obtuvo el Golden Globe como mejor actor en 2001 (Imdb)

Más adelante, también reflexionó sobre otras ficciones que retratan a los humanos que quedan varados en lugares recónditos, desde Robinson Crusoe, la clásica novela británica escrita por Daniel Defoe, hasta la serie televisiva La isla de Gilligan.

Según el protagonista, con Náufrago buscaron un acercamiento nuevo y más moderno hacia el concepto de intentar sobrevivir en la adversidad.

2. Persistencia. Tom Hanks se involucró desde el principio como productor del proyecto de Náufrago. El actor, que ya había trabajado con Zemeckis en Forrest Gump, estaba empecinado en contar esta historia desde mediados de los ’90. Y su entusiasmo contagió al guionista William Broyles Jr., quien apenas escuchó la propuesta se puso en acción para llegar a tener un bosquejo del libreto, que estuvo dando vueltas casi 6 años hasta que encontró su forma.

En el medio, Broyles buscó expertos en supervivencia y se nutrió de sus conocimientos para darle mayor verosimilitud a su historia. Además, decidió él mismo lanzarse a la aventura y quedarse solo en una isla por unos días: quería experimentar él mismo lo que le iba a hacer vivir al protagonista de la película.

Tom Hanks tenía la intención de llevar a la pantalla grande una historia que tuviera lugar en una isla desierta desde mediados de los '90. En "Náufrago", además de protagonista, fue productor (Imdb)Tom Hanks tenía la intención de llevar a la pantalla grande una historia que tuviera lugar en una isla desierta desde mediados de los ’90. En “Náufrago”, además de protagonista, fue productor (Imdb)

Sobre esa experiencia, Broyles contó en una entrevista con la revista Entertainment Weekly del 15 de diciembre de 2000, que debió probar cómo se abría un coco, cómo darle forma a las piedras, cómo proveerse de comida y cómo inventar, con lo que tenía a mano, un cuchillo para enfrentar las dificultades con las que se iba encontrando.

“Aunque solo fueron unos cuantos días, me sentí bastante solo. Y de repente una mañana, apareció en la playa un balón de voleibol de la marca Wilson y me quedé mirándolo. Luego le coloqué encima unas conchas y empecé a hablarle”, reveló.

“Me di cuenta de que hay Boeings 747 repletos de paquetes sobrevolando el Océano Pacífico al menos tres veces por día. ¿Qué pasaría si uno de esos aviones cayera?”, se preguntó Hanks luego de leer un artículo periodístico que inspiró la historia de “Náufrago”

Por otra parte, según relató el propio Hanks al diario británico The Guardian en 2001, la intención de la producción fue intentar contar una historia pero no hacerlo “de manera standard”.

Por eso, la película terminó con una duración de 143 minutos y exponiendo las dificultades que debe enfrentar el protagonista completamente en solitario, “sin fuerzas externas en su contra, sin piratas ni tipos malos”.

3. Cambios físicos. Una vez que se decidieron a grabar la película, el director y el protagonista coincidieron en que, para que tuviera más realismo, el rodaje debía hacerse de manera lineal y en dos tramos. Primero debían filmar las escenas del comienzo, que transcurren en Rusia y Estados Unidos, y de inmediato la caída del avión y los primeros días de Chuck en la isla. Esto ocurrió entre fines de 1999 y comienzos de 2000.

Después de eso, hubo una pausa de varios meses en la que Hanks tuvo que bajar 25 kilos, para lo que se sometió a una rutina de entrenamiento y a una dieta estricta. Tras ese cambio, estuvo listo para encarar la segunda parte del largometraje, que refleja la vida del protagonista cuatro años después del accidente.

Durante ese receso, el director se dedicó a rodar otra película, Revelaciones (What Lies Beneath), con Harrison Ford y Michelle Pfeiffer.

Para la segunda etapa de grabación, el actor debió adelgazar 25 kilos (Imdb)Para la segunda etapa de grabación, el actor debió adelgazar 25 kilos (Imdb)

4. Infección y susto. Uno de los momentos más extremos durante el rodaje de las escenas de exteriores –realizadas casi en su totalidad en la isla de Monuriki, al norte de Fiji, en el Pacífico Sur– tuvo lugar cuando el protagonista, intentando escapar, arma una balsa con los elementos que tiene a mano.

Según contó Hanks al diario británico The Guardian en 2001, mientras manipulaba un objeto cortante para prepararse para esa escena, se abrió la rodilla y debió ser operado en California. Los médicos le explicaron poco después que, de no haberse sometido a aquella pequeña intervención, se le podría haber ocasionado una septicemia grave porque la infección que tenía en la pierna se había empezado a extender por la sangre y eso podría haberle provocado la muerte.

No fue la única dificultad. El artista también reveló que mientras grababa otro momento clave de la película, en el que Chuck queda flotando a la deriva en el océano, el cable que lo mantenía atado a la balsa se cortó y debió ser rescatado por los productores casi 40 minutos después.

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Mientras rodaba algunas escenas en la isla, Tom Hanks se cortó la rodilla y debió ser operado en los Estados Unidos. Se le hizo una infección tan importante que, de no haber actuado a término, podría haber perdido la vida, según le informaron los médicos que lo atendieron

5. Sin acuerdo. Para muchos FedEx, la empresa de correos para la que trabaja Chuck Noland, es casi un protagonista más de Náufrago. Sin embargo, tanto la producción como la empresa, se encargaron de aclarar en las últimas dos décadas que no hubo ningún tipo de acuerdo entre ellos para que la marca apareciera en la película.

Pero la firma tampoco se opuso y en todo momento aparecen paquetes con su logotipo flotando en la orilla de la isla. Además, prestaron algunos algunos de sus lugares de guardado y oficinas para las grabaciones de varias escenas.

6. Inspiración para Lost. Con 20 años de historia, hasta la actualidad se siguen buscando referencias a Náufrago en las producciones audiovisuales que llegaron después. Una de las más directas la vincula con la inolvidable serie Lost, de J. J. Abrams, estrenada en 2004.

La serie "Lost", estrenada en 2004, estuvo inspirada en el largometraje protagonizado por Tom HanksLa serie “Lost”, estrenada en 2004, estuvo inspirada en el largometraje protagonizado por Tom Hanks

Según informó la revista Chicago Mag, el guionista Jeffrey Lieber fue elegido en 2003 para presentar un proyecto ante las autoridades de la empresa ABC que tuviera como protagonistas a diez personajes varados en una isla solitaria en el Océano Pacífico. Le habían pedido que hiciera, de alguna manera, su versión televisiva de Náufrago, una de las películas preferidas de uno de los ejecutivos de la firma.

El guionista lo hizo, lo presentó bajo el nombre de Nowhere, pero poco después quedó afuera del proyecto y las autoridades de ABC se lo pasaron a Abrams, que le sumó los elementos fantásticos que terminó teniendo Lost. Después de una batalla judicial, finalmente Lieber fue incluido en los créditos de la serie, como uno de sus creadores.

Más allá de esa polémica, Náufrago también inspiró algunas parodias televisivas que se pudieron ver en la serie animada Padre de familia y Saturday Night Live.

infobae-image En "Padre de familia" hicieron una parodia de "Náufrago"En “Padre de familia” hicieron una parodia de “Náufrago”

7. Éxito deportivo. A medida que las semanas pasaban y la película recorría el mundo con gran éxito, los ejecutivos de la firma Wilson, la pelota que se convierte en la gran compañía de Chuck durante su estadía en la isla, empezaron a ver que el interés por su marca empezó a crecer.

“No podemos creer el grado de atención que estamos recibiendo”, aseguró en declaraciones al diario Los Angeles Times Chris Considine, gerente general de la división de deportes grupales de la empresa, en enero de 2001, a pocas semanas del estreno de Náufrago.

La película provocó que la marca Wilson recibiera una atención inusitada después del estreno (Imdb)La película provocó que la marca Wilson recibiera una atención inusitada después del estreno (Imdb)

Según lo que contaron, ni las grandes figuras del deporte estadounidense a las que habían sponsoreado, como el tenista Pete Sampras o Michael Jordan, habían logrado lo que consiguió Tom Hanks con el largometraje.

Tiempo después, la empresa señaló que durante un largo tiempo recibieron numerosas postulaciones de personas que querían trabajar con ellos, gracias al suceso de la película.

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Los Angeles Times también informó que en 2001 una de las tres pelotas de voley que aparecen en el largometraje fue subastada por 18.400 dólares. Una suma exorbitante teniendo en cuenta que por mucho tiempo Wilson vendió ese producto, con la misma caja que se ve en la película por menos de 20 dólares.

Muchos años después, en 2015, durante un juego de jockey, Hanks se reencontró de manera sorpresiva con otra de las pelotas utilizadas durante el rodaje.

Mientras el artista se encontraba entre el público, alguien le acercó a Wilson y el actor sonrió para una foto al lado de su inolvidable “amigo”.

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MDP Arriba el telón: el teatro ya tiene un protocolo para arrancar

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Se conoció hoy una larga lista de medidas a tener en cuenta para la reapertura de los teatros. De cumplirse todas ellas se achicará el riesgo y habrá una relativa normalidad.

La disposición establece que «las actividades autorizadas deberán desarrollarse dando cumplimiento al Protocolo General para la Actividad Teatral y Música en Vivo con Público, aprobado por la autoridad sanitaria»

El Gobierno nacional exceptuó del aislamiento obligatorio en el marco de la pandemia por coronavirus a las personas afectadas a las actividades relativas al desarrollo de «artes escénicas con y sin asistencia de espectadores», con lo cual podrán retornar la actividad teatral. suspendida en marzo con el inicio de la cuarentena.

«Exceptúase del cumplimiento del aislamiento social, preventivo y obligatorio y de la prohibición de circular a las personas que se encuentren en los departamentos o aglomerados alcanzados por el artículo 9º del Decreto 875/20 (aislamiento obligatorio) y que estén afectadas a las actividades relativas al desarrollo de artes escénicas con y sin asistencia de espectadores», dice la decisión administrativa 2045, publicada en el Boletín Oficial.

La norma lleva la firma del jefe de Gabinete, Santiago Cafiero, y del ministro de Salud, Gines González García.

La disposición establece que «las actividades autorizadas deberán desarrollarse dando cumplimiento al Protocolo General para la Actividad Teatral y Música en Vivo con Público, aprobado por la autoridad sanitaria» y especifica que «cada Provincia y la Ciudad Autónoma de Buenos Aires podrán dictar las reglamentaciones necesarias para el desarrollo de la actividad».

Para acceder a las entradas, se buscará priorizar la venta de las mismas a través de sistemas digitales.

En los casos donde se expendan de manera presencial, se colocarán marcaciones en el piso y se deberá mantener una distancia de dos metros ente las personas destinadas a la atención al público, como así también entre éstas y los clientes.

Seguramente el público encontrará barreras físicas de protección en varias salas esta temporada.

Al ingresar al espacio, los asistentes del público deberán mostrar la declaración jurada de salud vigente mediante formulario online, la aplicación Cuidar o sistemas equivalentes. En simultáneo, se comprometerán a no concurrir en caso de sospecha y/o diagnóstico de Covid-19 o contacto con alguna persona que haya dado positivo.

Será una condición de admisión, ingreso y permanencia en el espacio cumplir con el uso obligatorio de tapabocas/barbijo en forma permanente, y con las medidas de control y prevención dispuestas en las instalaciones.

La circulación dentro de los espacios culturales deberá respetar el distanciamiento social de dos metros y la organización de las personas según la capacidad establecida por la autoridad jurisdiccional.

Por otro lado, al entrar a una sala, suele entregarse un “programa” con información del espectáculo y el espacio teatral. Esta vez, se recomienda que el mismo se brinde en forma digital para evitar la utilización y manipulación de papel.

Una vez dentro del teatro, se deberá respetar la distancia mínima de 2 metros entre el frente del escenario y la primera fila de ubicación del público.

El desarrollo de la actividad escénica con público será con aforo limitado. Inicialmente no podrá superar el 50% de la capacidad. El porcentaje podría variar de acuerdo a la evolución de la situación epidemiológica de cada jurisdicción.

La distancia entre butacas ocupadas deberá ser de 1,5 metros. En cada fila, por cada butaca ocupada o butacas ocupadas por “la burbuja social” deberán dejarse dos butacas fijas libres a los lados de la fila.

No se permitirá el desplazamiento de público durante el espectáculo. Deberá permanecer en los lugares asignados, excepto para el uso de sanitario.

La mayor cantidad de los cuidados sanitarios se aplicará detrás de escena, en la preproducción de los espectáculos, por lo que al momento de iniciare la función, todo el personal técnico y los artistas deberán haber seguido los puntos establecidos en el protocolo.

La guía de recomendaciones sugiere “armar equipos mínimos” de trabajo para garantizar que se mantenga el distanciamiento social. También insta a priorizar todas las reuniones previas en forma virtual.

Directores, directoras y artistas mayores de 60 años o que tengan algunos de los factores de riesgo asociados a mayor mortalidad por COVID-19, en caso de estar de acuerdo, deberán firmar su conformidad para ser parte de la actividad.

Los horarios de apertura de los espacios para el trabajo en preproducción, producción y ensayos serán a partir de las 12, evitando las horas pico. Se propiciarán los horarios de entrada y salida escalonados.

El personal de la sala, al igual que los artistas, deberán lavarse frecuentemente las manos, extremar la higiene y sanitización de sus pertenencias, cuidar el distanciamiento y utilizar barbijo y máscara facial o tapaboca “de manera permanente, salvo en momentos de preparación individual en camarines y/o actuación en el escenario”.

Los camarines podrán ser compartidos siempre que se respete la distancia mínima establecida o ampliando el horario de citación previa a cada ensayo, función o grabación, para establecer turnos. Se permitirá una persona cada 2,25 metros cuadrados y todos deberán usar tapabocas.

Se incrementará la frecuencia de limpieza y desinfección de los espacios de permanencia y tránsito (sala, recepción, pasillos y baños).

En los baños, se deberá proveer de jabón (preferentemente con dispenser) y toallas descartables, con cestos para depósito de residuos. Se recomienda desactivar secadores de manos por aire (atento que representan un gran riesgo de contagio).

El protocolo establece la importancia de ventilar todos los espacios antes y después de cada actividad. Aclara que en caso de ventilación forzada, deberá asegurarse la limpieza, desinfección y el control con la mayor frecuencia posible de filtros, conductos y toberas.

El público tendrá el rostro cubierto por sus tapabocas. Hasta el momento previo a de ingresar en escena, los artistas también deberán usarlo.

El protocolo insta a incorporar el uso de alcohol en gel en escena, sobre todo luego de manipular objetos y en caso de existir cruces o contactos fugaces).

Una vez terminado el espectáculo, se requerirá la limpieza y desinfección total del espacio, sala o teatro previo al comienzo de la nueva función

Para ello, en el caso de realizarse más de una función por día, la entrada y salida del público entre funciones deberá realizarse con un tiempo prudencial de alternancia, que no podrá ser menor a 45 minutos.

 

Deportes

En tanto, a través de la Decisión Administrativa 2044 se exceptuó del cumplimiento del aislamiento social, preventivo y obligatorio a los deportistas y a las personas afectadas a la organización de competencias de motociclismo deportivo.

También, por decisión administrativa 2037, se exceptuaron en la Ciudad de Buenos Aires los deportes grupales e individuales al aire libre, talleres de formación cultural y reuniones al aire libre en domicilios privados.

Por ultimo, por medio de la Decisión Administrativa 2053, se exceptuó de las prohibiciones dispuestas a la provincia de Santa Fe en el desarrollo de deportes grupales; a la provincia del Neuquén, en actividades religiosas en iglesias, templos y lugares de culto; y a la de La Rioja en el desarrollo de deportes grupales.

FUENTE : LIBRE EXPRESION

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Levantan Mujeres de El Trece, a menos de dos meses de su estreno

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Se confirmó la fecha en la que se emitirá el último programa del magazine producido por LaFlia

FOTO : Las conductoras originales de “Mujeres de El Trece”

Mujeres de El Trece se estrenó el lunes 24 de agosto en el canal que comanda Adrián Suar, con la conducción de Soledad SilveyraTeté CoustarotClaudia FontánRoxy Vázquez Jimena Grandinetti. El programa se promocionó como una magazine de actualidad, con una mirada distinta a la habitual en la televisión.

El debut fue accidentado, ya que Roxy Vázquez contrajo coronavirus días antes del estreno, se tuvo que aislar y sus primeras participaciones fueron vía Zoom. El rating del primer programa fue de 5.7, puntos, algo menos de lo que hacía Corte y confección en el mismo horario, y muy lejos de los 8.2 que consiguió ese día Cortá por Lozano en Telefe.

Más allá de las mediciones, la crítica del público y de la prensa no fue muy buena. Y a eso se le sumaron las internas entre las integrantes del programa. A la semana del debut, Claudia Fontán dio positivo de coronavirus y eso motivó a que todas las conductoras debieran aislarse y fueran reemplazada por otro grupo de profesionales.

De esta manera, en el ciclo producido por La Flia se produjo un hecho absolutamente inédito, ya que a cinco emisiones del mismo fueron todas suplantadas. El lunes 31 de agosto ingresaron Flor de la V, María Julia Oliván, Sandra Borghi y Luli Fernández; a las que se sumó Roxy Vázquez, ya recuperada de coronavirus.

Los rumores de conflicto entre Teté y Solita también fueron moneda corriente en esos días. No tardaron en ser desmentidos por las protagonistas, pero el público no terminó de creerles, y mucho menos los medios, que insistieron con el fastidio entre ellas.

Soledad Silveyra y Teté Coustarot se enfrentaron cara a cara en medio de los rumores de pelea (Video: “Mujeres de El Trece”)

El programa avanzó con un número de rating aceptable, pero sin un perfil definido en su formato. Luego, llegó la salida de Fontán, quien declaró: “Ya estoy muy bien, recuperada del COVID, pero como habrán visto, no volví. El programa cambió el formato. Así que decidimos, de común acuerdo, no seguir”. De esta manera, el grupo original se fue desmembrando.

En las últimas semanas, y con una marcada baja en su rating, Mujeres empezó un reality buscando nuevos participantes para el Cantando 2020, conducido por Roxy Vázquez y Oliván, mientras que Solita, Teté y Grandinetti oficiaban de jurado junto a la Gladys La Bomba Tucumana.

El último viernes el programa midió 2.7 puntos, empatando con Intrusos de América, algo inédito para un ciclo de uno de los dos canales líderes del país.

El programa termina sin la presencia de Claudia Fontán, una de sus conductoras originales (Foto: Instagram @gundaok)El programa termina sin la presencia de Claudia Fontán, una de sus conductoras originales (Foto: Instagram @gundaok)

Este domingo se decidió dar por finalizado el programa el próximo viernes 16 de octubre, y la gerencia del canal aún no comunicó cuál será su reemplazo: se desconoce, también, si será otra producción de la empresa de Marcelo Tinelli, o si entrará otra productora de contenidos en ese horario. La otra alternativa es estirar los ciclos de la tarde y cubrir el espacio con el ciclo 100 argentinos dicen, Mamushka El gran premio de la cocina.

El Trece, de manera oficial, confirmó el fin del programa, que tenía contrato hasta el 31 de octubre, pero debido a la notoria baja de rating de los últimos días decidió darlo por terminado a mitad de mes. Una baja más en un año en el cual la televisión se vio invadida por la pandemia y con pocos estrenos. La industria de la tele trata de sobrevivir en medio de una profunda crisis de anunciantes y de contenidos que interesen al publico.

FUENTE TELESHOW

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Ricardo Hugo Arana 1943 – 2020

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Nacido en la localidad bonaerense de Juan José Paso -pero criado en Monte Grande-, Hugo Arana brilló en más de 40 títulos del cine argentino y una cantidad similar de programas de televisión.

Murió a los 77 años Hugo Arana, el actor de raza que cautivó con su estilo popular. La confirmación de la noticia la realizó la Asociación Argentina de Actores a través de sus redes sociales: “Con gran pena despedimos al compañero actor Hugo Arana. En su prestigiosa trayectoria en cine, teatro y TV ha sido respetado y querido tanto por sus pares como por su público. Acompañamos en este triste momento a su hijo Juan, a sus familiares y seres queridos”. Arana había sido internado el Sanatorio Colegiales producto de un golpe doméstico y durante el chequeo médico que le realizaron diagnosticaron que era Covid positivo. “Tengo el virus de forma muy liviana, no me ha dañado la respiración ni tengo dolores”, había afirmado días atrás.
Con importantes intervenciones en las “oscarizadas” películas “La tregua” y “La historia oficial”, entre otras grandes producciones del cine nacional, pero fundamentalmente con sus trabajos populares en televisión, en recordadas publicidades y con una amplia galería de queridos personajes en el programa cómico “Matrimonio y algo más”, Hugo Arana, quien murió hoy a los 77 años, cautivó a todo tipo de público a lo largo de su versátil y prolífica trayectoria.
La labor de este admirado actor prácticamente no tuvo respiro desde su aparición en escena, en 1970, en la película “El santo de la espada” hasta hace pocas semanas, cuando antes de ser internado en una clínica privada por un accidente doméstico, en donde se le detectó que se había contagiado coronavirus, participó junto a Moro Anghileri de la serie “Historias virales”, con temática ligada a la cuarentena.
Aunque el propio actor había tranquilizado a sus seguidores semanas atrás en una entrevista radial, en las últimas horas había circulado información que daba cuenta de cierta preocupación en su estado de salud, hasta que finalmente la Asociación Argentina de Actores dio a conocer la noticia de su fallecimiento.
“Con gran pena despedimos al compañero actor Hugo Arana. En su prestigiosa trayectoria en cine, teatro y TV ha sido respetado y querido tanto por sus pares como por su público. Acompañamos en este triste momento a su hijo Juan, a sus familiares y seres queridos”, informó la institución a través de sus redes sociales.
Precisamente, fue su único hijo Juan Gonzalo, fruto de su matrimonio con la actriz Marzenka Novak, fallecida en 2011, con quien se había casado en 1978, quien encontró al actor tras su accidente doméstico y lo acompañó mientras le hacían los estudios que, finalmente, determinaron que era positivo en Covid-19.

“Para que haya multimillonarios, tiene que haber miles de chicos desnutridos y enfermos tirados en aguas contaminadas”, Hugo Arana

Nacido en la localidad bonaerense de Juan José Paso pero criado en Monte Grande, Hugo Arana brilló en más de 40 títulos del cine argentino y una cantidad similar de programas de televisión; sin embargo, el primer gran impacto popular llegaría en 1972, al protagonizar una recordada publicidad de un vino de mesa, dirigida por Juan José Jusid, cuyo éxito obligó a realizar toda una saga que continuara la historia.
Con una sólida formación actoral con estudios con Augusto Fernandes y tras cimentar cierta experiencia con el grupo de teatro Errare Humanum Est, su aparición en “El santo de la Espada” y su popularidad a partir de la publicidad, lo llevó a convertirse en una cara familiar en la producción cinematográfica y televisiva de la época.
La mencionada “La tregua”, “La Madre María”, “El soltero”, “Y mañana serán hombres” y “La isla” fueron algunas de las películas que lo tuvieron en el elenco en los `70, en tanto que “Papá corazón” sería el título televisivo más relevante en aquellos años.
Pero cuando parecía que los niveles de popularidad alcanzados con la publicidad de vino no iban a ser superados llegó “Matrimonio y algo más”, el programa televisivo picaresco de Hugo Moser, en donde Arana descollaría con dos entrañables personajes de grueso trazo, como el caso de “El groncho” y “Huguito Araña”.
Aunque se trataría de dos retratos que serían duramente cuestionados hoy, el primero por su carácter misógino y el segundo por su burla a la diversidad sexual, el pulso del humor de la época consagró a este actor como uno de los grandes comediantes de la televisión argentina.
Sin embargo, Arana continuaría con sus incursiones en un cine más “comprometido”, con igual grado de efectividad, como en el caso de “La historia oficial”, “Made in Argentina”, “Un lugar en el mundo”, la comedia “Las puertitas del Señor López” y la costumbrista “El verso”, entre otras.
Establecido como una de las grandes figuras de la escena nacional, el actor fue convocado para numerosas y reconocidas tiras televisivas, como “La banda del Golden Rocket”, “Buenos vecinos”, “Tiempo final”, “Resistiré”, “Mujeres asesinas”, “Los exitosos Pells”, “Graduados” y “Viudas e hijos del Rock and Roll”, entre tantas.
Consecuencia de su prolífica labor, el intérprete cosechó diversos premios, entre ellos media docena de Martín Fierro y dos Cóndor de Plata, pero también tuvo el reconocimiento a nivel internacional cuando obtuvo en 2003 el Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, por su trabajo en la película “El viaje hacia el mar”.

¿Prefiere algún papel sobre otro?: Te nombro una del año pasado, Te esperaré, la película de Alberto Lecchi, donde interpreté a un coronel asesino serial de la época de los milicos. Esos papeles son muy deseados. Nos encanta hacer de hijo de puta, de asesinos, de personas que representan lo peor de las personas. Porque uno puede sacar su materia negra y eso es maravilloso. En la vida, siempre pregunto: ¿a cuántos hubiéramos degollado y no lo hicimos por moral, ética o miedo a ir en cana o a ver si me saca el cuchillo y me mata él a mí? La pulsión está. Entonces, poder hacer personajes cretinos, hijos de puta, es un anhelo para sacar lo que se reprime. Más allá de este ejemplo, uno quiere a todos sus personajes. Son como hijos: los querés a todos, pero a veces le prestás más atención a alguno.

Más allá de los galardones, la figura de Hugo Arana reunió fundamentalmente el cariño de todo tipo de público gracias a su capacidad para saber componer personajes susceptibles de reflejar la idiosincrasia del argentino medio, tal como ocurrió desde sus primeros pasos en la famosa publicidad rebautizada a nivel popular como la saga del “tío francés”.
El acosador coqueteo de Huguito Araña con actores famosos que acudían al piso para ser entrevistados o la bondad y el cariño rústico expresado por “El groncho” hicieron el resto.
Sus virtudes como actor, el carácter afable mostrado en entrevistas y la ausencia de conflictos laborales o personales en su vida pública confluyeron para que Hugo Arana sea reconocido tanto por sus papeles dramáticos como por sus intervenciones humorísticas, y querido y respetado de manera unánime por colegas y por el público en general.
“El Sanatorio Colegiales donde falleció Hugo Arana es un desastre, si fuera más fácil y viable hacer denuncias por mala praxis ese lugar estaría cerrado hace años”, aseguró el perfil de Twitter: @HippiesConOsde en respuesta a un mensaje del periodista Luis Bremer. Mientras que el periodista manifestó: “Terrible fallecimiento!!!! Alguien auditará en Sanatorio Colegiales donde los pacientes entran x otra dolencia y se contagian #COVID19 ¿Se cumplen los protocolos?”.
Tantos fueron los comentarios en contra de la clínica que el nombre del sanatorio se volvió tendencia. En el comunicado la institución respondió: “Lamentamos comunicar que en el día de hoy a las 0.30 horas se produjo el fallecimiento del señor Ricardo Hugo Arana. El señor Arana ingresó al Sanatorio el día 27/9/20 producto de un cuadro sincopal en su domicilio. Entre otros varios estudios que se realizaron a su ingreso, los que corresponden a imágenes de torax fueron compatibles con infección por Covid, lo cual se corroboró en el hisopado por PRC que se realizó a continuación”.
Según el parte “el paciente permaneció aislado y con todos los cuidados necesarios para un cuadro de Covid. Se le estaban realizando estudios de alta complejidad en relación a sus antecedentes cardiológicos severos, hasta el día de hoy dónde falleció producto de un paro cardíaco súbito”.
En el documento firmado por la Doctora María Cristina Lacunza agregaron: “Acompañamos a la familia en su dolor”.

“Profesar es poner la fe, y yo pongo la fe en la tarea”
En la película que protagoniza junto a Beatriz Spelzini, Arana, que viene haciendo cine y teatro desde los años 70, compone a uno de sus personajes más difíciles. “Es un tipo hosco porque tiene un problema con su soledad, que lo está invadiendo”, señaló
Por Emanuel Respighi
Hugo Arana no soñaba con “actuar”, así, a secas. Cuando para su cumpleaños número 22 se regaló a sí mismo la inscripción a un instituto actoral, no tenía en mente simplemente actuar. “Yo quería ser actor de cine. No me podía imaginar otra cosa, ya que hasta ese momento nunca en mi vida había asistido a una obra de teatro. Hasta los 22 años sólo había visto cine, gracias a que entraba gratis a las salas de un amigo”, aclara el actor. La formación, el tiempo y su talento se complotaron para que aquél jovencito que solo concebía la actuación en pantalla grande se convirtiera en uno de los grandes intérpretes argentinos, de esos que dejan su huella a cada paso. “El único riesgo que enfrentamos los actores es a no poder construir personajes verosímiles”, subraya Arana, a quien se lo puede ver en su anhelado rol de “actor de cine” en Delicia, la película dirigida por Marcelo Mangone en la que comparte cartel con Beatriz Spelzini.
El actor habla con la misma sencillez que le imprime a los personajes que  interpreta. Esa naturalidad en su registro actoral, que suele trascender la pantalla, encuentra eco en cada una de sus respuestas. “La vida es más simple de lo que creemos, somos nosotros y nuestras extrañas neurosis la que la complejizamos”, puntualiza el actor que ya cumplió 74 julios, ante . “Siento –señala– que cuando cumplimos los setenta años cruzamos una línea, constatamos la finitud. Los cuarenta y los cincuenta los atravesé sin darme cuenta. Los sesenta ya me empezaron a joder. ‘Muere un sexagenario atropellado por un colectivo’, se suele titular. ¿Por qué tienen que hacer hincapié en la edad de la víctima? ¿O, acaso, subrayan la condición de veintiañero o treintañero? No. Entrar en la séptima década de vida te hace tomar conciencia, clara y contundente, de que el camino se va acabando. La constatación de la finitud de la vida lo condiciona todo. La percepción del mundo es otra cuando uno constata el fin del camino.”
En Delicia, justamente, se cuenta la historia de un amor otoñal, de esos en donde prevalecen más los temores que las pasiones. Felisa (Spelzini) es una enfermera que llega (¿huyendo de algo?) a un apacible pueblo para ocupar una vacante en el hospital local. Como necesita un lugar para vivir, acepta la sugerencia del director de hospedarse en una casa que un paciente puso a disposición con una condición: a cambio del alojamiento, debe colaborar en las tareas de la casa del dueño, Amado, lindante a la ofrecida. Inquilina y propietario entablarán una compleja relación, condicionada no solo por la renguera de ella y la ceguera de él, sino fundamentalmente por los miedos que la trama deja entrever pero nunca explicita. Dos almas solitarias atrapadas en el deseo de torcer sus destinos y la desconfianza de compartir con otros su intimidad. “Es una película muy sencilla. No tiene rebusques ni sobreactuación en el registro actoral ni tampoco en el narrativo. No hay subrayados en búsqueda de impacto. Delicia es una película que fluye y que es verosímil”, puntualiza Arana.
En Delicia hay un registro naturalista que contiene a la historia. ¿La ficción debe ser “verdadera”? 
La ficción no tiene por qué ser verdad. Para verdad tenemos nuestra realidad cotidiana. Además de que sabemos, hoy más que nunca con las cosas que se dicen y se publican, que la verdad siempre es un hecho subjetivo. Es verdad aquello que necesitamos que sea verdad. En esa construcción, buscamos la mayor cantidad de argumentos posibles para demostrar que eso sea verdad. ¿Por qué necesitamos que algunas de nuestras percepciones sean verdaderas? Es un misterio. Hay infinitas verdaderas, que en realidad expresan ignorancias o prejuicios que nos reafirman en nuestras ideas. Felisa y Amado sufren padecimientos físicos, pero la trama no hace foco en ellos. En todo caso, la renguera y la ceguera no son otros que rendijas de los padecimientos interiores. Todos tenemos rengueras interiores. El que esté libre de rengueras que tire la primera muleta. Somos seres imperfectos.
Y solos. La película pone el acento en la soledad de Amado y Felisa.
Son dos soledades buscando compartirse. Todos somos seres solos aunque estemos rodeados o conectados con otros. No sé si la soledad es un estado de tranquilidad. La soledad es un motor, al que si se lo pone en marcha resulta conducente. Es motor de reflexión, de sueños, de búsquedas. Los seres humanos compartimos soledades. Estamos solos. La cumbre máxima del amor es, justamente, el encuentro entre dos soledades que deciden compartirse. En el amor se comparten las soledades. Creo que el amor de un otro u otra no nos completa. Somos completos, que en todo caso decidimos compartirnos. El estado ideal del ser humano es el de la armonía, el poder eludir el caos.
Amado, su personaje, parecería ser un tipo cerrado, pero hay algo en su aparente templo que aspira a romperse, como si tuviera una necesidad de que ingrese algo de “caos”.
Es un tipo hosco porque tiene un problema con su soledad, no puede habitarla. La soledad lo está invadiendo. No es que quiera habitarla. La necesidad de abrir la puerta es la consecuencia de que la soledad le está ganando. Amado no logra ya dominar su soledad, aunque nunca lo admita.
¿Cómo fue la composición de Amado? 
Nunca había hecho de un personaje ciego, pero fui amigo en mi adolescencia de un ciego cuya familia era dueña –mirá qué ironía– de dos cines en Lanús, El palacio del Cine y el Super Cine, hoy convertidos en banco y templo evangélico, respectivamente. Gracias a él pude descubrir el cine. Eran épocas donde los lunes y martes daban tres películas distintas cada día, y de miércoles a domingo otras tres. ¡Entre las dos salas, podía ver 18 películas diferentes cada semana! Este amigo era un hombre que se había quedado ciego a los 18 años. Era raro, porque él tenía casi 30 y yo no más de 16 años. Íbamos a tomar café al Bar Oriente, que era un café, con billares y peluquería al fondo, abierto las 24 horas, a media cuadra de la Estación de Lanús. Lo acompañé por todos lados, porque además nunca quiso usar bastón ni aprendió a leer Braille. Hasta le grabé “Derecho Romano” en audio, porque estudió abogacía.
¿Se inspiró en él?
Tengo en mi mente sus formas. También fui a un Instituto para ciegos donde me ayudaron mucho. Pude discernir entre aquellos que nacieron no videntes y los que se quedaron ciegos con el tiempo. Lo que advertí es que el lenguaje gestual de uno y de otro no es el mismo. El no vidente de nacimiento prácticamente no mueven las manos, porque no conocen el lenguaje gestual, lo tienen menos desarrollado. En cambio, aquellos que quedaron ciegos tienen mayor registro gestual, y mientras hablan señalan con el dedo o se expresan con sus brazos. Mi preocupación fue encontrar el lenguaje gestual acorde a un no vidente que recuerda haber visto.
En una época en la que se venera la juventud como una virtud, cuando no es más que una etapa de la vida, Delicia cuenta una historia de amor de adultos mayores. El film da cuenta de que nunca es tarde para nuevas experiencias.
Hemos heredado y mantenido una cultura absolutamente formal, no espiritual ni mucho menos vivencial, interior, emotiva. Vivimos en una cultura del descarte y la apariencia. La mujer sigue tratada como un objeto en los concursos de belleza, seguimos eligiendo al “mejor” actor, al “mejor” docente… ¿Cómo podemos hablar de que alguien es “mejor” que otro? ¿Sobre qué parámetros vivimos señalando que una persona es mejor que otra? En todo caso, destaquemos a alguien por sus cualidades en determinada área. ¿Mejor? En una carrera el ganador es el más ligero, pero no el mejor. Hay que dejar de comparar y disfrutar más.
A lo largo de su profesión hizo teatro oficial y comercial, cine dramático y comedia, y también participó de distintos proyectos en televisión. Esa ductilidad, ¿fue un camino buscado?
Odio las sentencias. Y cuando digo odio ya estoy sentenciando. Tampoco uso la palabra carrera, prefiero profesión. Profesar es poner la fe. Yo pongo la fe en la tarea. Me gusta. Pongo la fe de que voy a disfrutar, de mejorar mi paladar. El encasillamiento, las verdades absolutas que construimos, no son otra cosa que manifestaciones inconscientes de nuestros miedos. Necesitamos certezas para poder huir de los miedos. Ahora resulta que no hay que tener miedo, o no demostrarlo. Tampoco se puede tener vanidad. ¿Cómo no voy a tener miedo, cómo no voy a ser vanidoso? ¿Qué soy, de qué estoy hecho? Soy un bicho humano, tengo todo eso. El tema es cómo nos relacionamos con nuestra vanidad y nuestros miedos. Cada tanto, a mi vanidad la agarro y le doy unos caramelos para que se calme un poco, porque si no corro el riesgo de convertirme en un idiota.
¿Nunca sintió, en algún momento de su profesión, que su conducta era dominada por la vanidad? 
Nunca sentí que era rehén de la contienda de ganar o perder. He sentido que, en ocasiones, la vanidad amenazaba con adueñarse de mi ser. Cuando el brillo sale hacia afuera, los humanos estamos en problemas.
¿Podía controlar esa vanidad queriendo emerger?
Cuesta, pero creo que nunca he hecho el ridículo. No todos pueden decir lo mismo.
Dijo que hace algunos años constató la finitud de la vida. ¿Se autoimpone una “fecha de vencimiento” para la actuación?
Qué se yo hasta cuándo voy a actuar. No soy de los que dicen que quieren morirse arriba de un escenario. Me preocuparía la conmoción que causaría desplomarme adelante de mis colegas y del público. Prefiero ahorrarle ese mal trago. Actuaré hasta que pueda. No estudié teatro toda mi vida por el deber de nada, sino por el placer de la búsqueda de construir una conducta, un carácter. Construir un personaje sigue siendo, siempre, una maravillosa aventura.
“La teoría del derrame me parece uno de los más graves insultos”
Esto le dijo Arana al ex ministro de economía, Nicolás Dujovne, en el programa Debo Decir, en América
Durante una emisión del programa que conducía Luis Novaresio en América, Dujovne elogió la postura económica del expresidente Macri diciendo que estaban “en el medio” de las propuestas del exministro y hoy gobernador bonaerense Axel Kicillof y del economista liberal y excandidato a presidente José Luis Espert.
<blockquote class=”twitter-tweet”><p lang=”es” dir=”ltr”>Una poca de <a href=”https://twitter.com/hashtag/HugoArana?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw”>#HugoArana</a> hablando de la &quot;hijaputez profunda&quot; de la &quot;teoría del derrame&quot; <a href=”https://t.co/6ANYKaC3J7″>pic.twitter.com/6ANYKaC3J7</a></p>&mdash; Vlad di Fiore Prieto (@vdifiore) <a href=”https://twitter.com/vdifiore/status/1315288011920142337?ref_src=twsrc%5Etfw”>October 11, 2020</a></blockquote> <script async src=”https://platform.twitter.com/widgets.js” charset=”utf-8″></script>
Sin embargo, Arana, que también estaba como invitado en el programa, interrumpió la conversación y sostuvo que defender la teoría del derrame es “como estar en mi casa comiendo y decirle al negrito de la calle ‘sentate ahí’ y van cayendo migas y puede comer”. En ese momento, el ministro de Macri, comenzó a mirar hacia un costado.
“Eso del derrame me parece una humillación, me parece una hijoputez profunda”, manifestó Arana. “Para que haya multimillonarios tiene que haber miles de chicos, miles y miles, desnutridos, enfermos y tirados entre aguas contaminadas”, sentenció.
Después, Novaresio le preguntó a Arana en qué gobierno “sintió que arrancamos y vamos para el lugar de la mayoría”. El actor le contestó, que “la única vez en mi vida que yo hablé de un gobierno públicamente fue con (Néstor) Kirchner, que dije ‘esto me parece un buen gobierno”.
Fotos: Guadalupe Lombardo, La Nación, Tiempo Argentino
Fuentes: Agencia TelAm, PáginaI12, Señales

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